Le 7 octobre 1987 premier DJ set à l’Hacienda à Manchester
Je me souviens d’un grand stress mais aussi d’une excitation totale. L’Hacienda ça a été un truc de dingue, je n’étais rien, j’étais serveur dans un restaurant, je faisais des cassettes et j’en arrosais la ville, j’ai juste donné une cassette au bon moment à la bonne personne. Du jour au lendemain, je suis devenu DJ résident d’une nouvelle soirée qui était le mercredi soir. C’était un public qui avait envie de sortir pour entendre et voir autre chose. Pendant six mois, j’ai senti que j’avais une espèce d’épée de Damoclès au-dessus de la tête. Chaque soir, j’allais voir le programmateur pour lui demander : “Ça va ? Ça c’est bien passé ?” . Il savait que j’étais stressé donc il jouait beaucoup avec ça en me répondant : “oui, c’était pas mal”. C’est la première fois que je jouais en pro dans un club. C’était quand même très bizarre. Mike Pickering était avec moi au line up et il a été un peu mon professeur pendant un an. C’était génial, j’ai beaucoup appris et tout est arrivé en même temps : l’acid house, l’ecstasy, la folie anglaise. J’étais très jeune, mais j’ai vécu de l’intérieur la naissance d’une nouvelle histoire. C’est donc un moment très important dans ma carrière.
1988, les soirées Pyramide au Palace à Paris
En aout 1988, j’ai dû quitter l’Hacienda pour faire mon service militaire à Montlhéry. Le DJ Mark Moore qui était à L’Hacienda m’avait dit “On va commencer les soirées Pyramid au Palace avec un posse de Londres.” Je lui ai répondu que j’étais obligé de rentrer en France et que ça serait cool si il me contactais. Je n’y croyais pas trop mais il m’a contacté en me disant : “ On démarre la première Pyramid et tu feras la fin de soirée.” J’ai donc joué de 5h à 6h du matin. Des journalistes de The Face sont venus pour la première soirée, il y a eu un papier où ils disaient à la fin : “une mention spéciale pour le DJ Laurent Garnier qui a gardé les gens sur la piste jusqu’à la fin”. Grâce à ça Kevin, qui était l’organisateur de la soirée avec Barbara, m’a dit :“tu n’as qu’à faire chaque semaine tous les débuts et toutes les fins” C’est comme ça que j’ai eu cette résidence à Pyramide. Ma première à Paris. Le Palace, j’en rêvais depuis longtemps. J’ai un grand frère qui sortait beaucoup. Il allait aux soirées de Fabrice Emaer et j’avais ce rêve, cette espèce d’idéal du Palace, qui était l’une des boites parisiennes un peu décadente où il fallait aller se balader. Comme pour l’Hacienda, tout est arrivé un peu comme un rêve.
1989, H3O à La Loco
Hilda qui était la programmatrice de la Locomotive à Paris m’avait vu à Manchester. Grâce à elle j’ai commencé à travailler à la Loco. J’étais au sous sol et je jouais du rock des années 60 mais j’incluais aussi un peu d’acid house. Un soir, avec Eric Rug, qui jouait aussi dans le club et Hilda, on s’est dit qu’on aimerait bien faire notre soirée de techno-new-beat. On voulait mélanger les deux et essayer de faire un truc à Loco. Ce qui était un challenge un peu dingue, parce que la Loco c’était une boite remplie de skinheads, de punks et de mecs qui voulaient écouter du rock bien couillu. Le premier soir où j’ai joué un morceau acid house à la Loco, le patron, Fred est venu me voir en courant en me disant : “Mais t’es dingue, tu vas te faire tuer !”. Notre truc avec Eric, c’était de prendre le micro et d’insulter des gens. On disait : “Vous n’avez rien compris bande de nazes” (rires). Et on passait quatre ou cinq fois dans la même soirée “French Kiss” de Lil’ Louis.
Août 1989 Joy, première rave en Angleterre
En juillet 1989 je suis libéré de l’armée et je retourne en Angleterre. Il le fallait absolument. La première grosse rave où j’ai été c’est Joy. C’était dans la banlieue, à vingt ou trente bornes du centre de Manchester. J’étais avec trois potes dans la voiture, tous super excités. On se gare, on sort de la bagnole et là on entend un son de basses incroyables et on voit un halo de lumière qui passe au-dessus de la colline. On crapahute en haut de la colline et là de l’autre côté, il y a un village entier de gens qui pêtent le brouillard. C’était encore très freestyle. Nous les DJ, on arrive tous avec nos caisses de disques et on jouait tous les uns après les autres. Ce n’était pas sclérosé. On a passé douze heures en communion On a entendu Carly Simon, C.C Rogers, de la deep house, KLF. C’était un peu Woodstock 20 ans après. J’ai eu la chance de jouer entre Mike Pickering et John Da Siva, mes potes de l’Hacienda. Ça a été un moment fort parce que j’ai vu et j’ai compris…
1990, L’An fer à Dijon.
Un photographe parisien qui s’appelait Jean Claude Lagrèze, qui est mort maintenant, faisait des soirées au Boy et au Palace. C’était une espèce d’égérie de la mode très important. Il photographiait les gens un peu branchés, il avait deux DJ attitrés. Guillaume La Tortue et moi. Tous ensemble on a été faire une soirée en Italie à Rimini, il y avait aussi Julie Delpy qui était une copine à lui, tous ses danseurs, c’était très gay car c’était la scène gay qui écoutait de la musique techno à l’époque. Fred Dumelie qui était le patron de l’An fer était à Rimini et il me dit qu’il aimerait bien que je vienne faire une soirée dans son club. Je lui ai dit que je viendrais avec un pote à moi qui s’appelait DJ Cube. Donc c’est pour ça qu’on a baptisé la première soirée “Ice” à cause de ce mec surnommé Cube. Nous avons fait une soirée où nous avons commencé devant huit cents personnes et je crois qu’une heure et demie après il ne restait plus que cent cinquante personnes. Ils avaient l’habitude d’écouter The Cure. Forcément ça a été un choc. Mais Fred a voulu continuer et je suis resté résident pendant cinq ou six ans. J’ai toujours été attaché à cette ville au point que beaucoup de gens pensent que je suis originaire de Dijon. On est quand même arrivé à faire venir les plus grands DJ à l’An Fer.
1991 Zoo au Boy à Paris
Le concept de Zoo était complètement décalé. Le décor était ultra kitschissime. On ouvrait le rideau vers une heure et on voyait sur scène Philippe qui est mon beau-frère et une copine à nous. les deux en robe de chambre, charentaises aux pieds. Ils ne bougeaient pas pendant trois heures, ils étaient sur un canapé et ils regardaient la TV. Elle tricotait aussi. C’était un couple de “Bidochons” que tu retrouvais tous les 15 jours dans une situation un peu différente. Un soir, on les a fait manger pendant trois heures à table. Au Boy les gens avaient l’habitude d’écouter de la techno. C’était complètement convenu donc il fallait essayer de faire un truc nouveau.
Décembre 1991, Laurent Garnier & Mixmaster Doody French Connection maxi sur Fnac Music
Eric Morand qui lançait le label Fnac Music connaissait mon premier maxi sorti sous pseudo French Connection que j’avais enregistré avec un Anglais qui s’appelle Ian Bland. A l’époque, tu ne te faisais pas un nom en étant musicien, mais en étant DJ. Je me suis retrouvé dans le studio de Ian, il allumait les machines, on touchait des boutons, je lui demandais : “Tiens ça fait quoi ça ? Pourquoi tu as cet effet, et on l’utilise comment ?”. Ensemble, nous avons donc sorti ce premier maxi. Eric donc deux ans plus tard me dit : “j’aimerais bien que tu commences sérieusement à faire de la musique, donc je te paye un billet, et tu retournes chez Ian Bland à Manchester et vous allez faire un maxi.” Il voulait que je me mette à la production parce que qu’il pensait que c’était important pour ma carrière. Je ne voulais même pas mettre mon nom sur la pochette, je voulais continuer sous French Connection … Morand a insisté “Non, non, il faut le sortir sous le nom de Laurent Garnier.” C’est Eric qui avait toutes ces visions-là, moi je n’étais pas du tout dans le marketing, je n’en avais rien à foutre. Je voulais jouer en DJ, je voulais faire danser les gens. L’envie de faire carrière en tant que musicien est venu bien plus tard.
1992 Wake Up Au Rex
La musique électronique avait explosé en 1988 en Angleterre, en France on avait 4 ans de retard. Des disques sortaient, il y avait pas mal de soirées à Paris mais avec Eric, nous étions frustrés de pas voir Paris exploser comme il devrait. On s’est donc dit qu’on allait faire une soirée où on allait inviter toutes nos idoles. Nous avons donc rencontré Christian Paulet (le responsable du Rex Club NDLR) qui avait fait les premières soirées house et techno en France dans un club, en lui disant qu’on avait envie de faire une soirée chez lui. Pour la première, nous voulions faire venir Derrick May et Kevin Saunderson. Je me rappellerais toujours de la gueule de Christian quand je lui annonce ce line up, il me regarde avec l’air de ne rien comprendre alors je lui dis : “je t’explique, c’est comme si tu avais les Rolling Stones et les Beatles dans ton club.” Ces yeux ont commencé à pétiller et il a répondu : “ah ouais, ah d’accord ! Tant que ça ne coûte pas le prix des Stones et des Beatles.”. Nous avons donc commencé les soirées Wake Up. Ca n’a pas été facile tous les soirs mais on a tenu longtemps. A un moment, c’est devenu un peu la messe, une soirée très importante. On a eu quand même des putains d’invités, on a fait tous les mecs de Chicago, tous les mecs de Detroit. Carl Cox, et après il y a eu toute la scène allemande : Sven Vath, Pascal Feos, Paul Van Dyck, qui jouait très transouille, mais c’était accepté tout ça à l’époque. On a fait de très belles soirées. Wake Up est devenu un endroit d’essai et de partage. Et puis surtout c’était le jeudi, ça annonçait le weekend. Le jeudi a toujours été un bon soir pour moi.
1993, premier voyage à Detroit.
Kenny Larkin m’avait invité. J’avais très envie de voir son studio et d’aller à Detroit et de rencontrer tous les gens de la scène électronique. Ce fut une espèce de voyage initiatique où j’ai découvert une ville que je ne connaissait pas, mais que j’aimais tellement par la musique. J’ai compris plusieurs années après pourquoi la musique de cette ville m’a autant touché. Je pense que ce sont des gens extrêmement sincères qui ont énormément souffert et ça s’entend dans leur musique. Quand tu vas dans cette ville et que tu te rend compte de comment elle marche, c’est là où tu comprends tout le désespoir de leur musique. Il y a une force, une mélancolie, une vision et une vraie envie du futur. Une fois, j’ai demandé à Jeff Mills : “pourquoi tous les jazzmen noirs, et tous les mecs dans la techno, américains et blacks également, sont aussi obnubilés par l’espace et par le futur ?” Il m’a répondu en me disant que quand tu es né noir aux USA, l’idée du futur est une sorte d’espoir car on se dit toujours ça peut être mieux que la vie présente.
1994 Création du label FCOM
Eric Morand dirigeait donc Fnac Dance Division et on avait sorti mes morceaux “Wake up”, “Acid Eiffel”,mais aussi les premiers disques de Ludovic Navarre alias St Germain sous le nom de Deepside, il y avait aussi Scan X, Shazz. Mais cela n’allait plus avec la Fnac et avec Eric on s’est dit : “qu’est ce qu’on fait ?”. Donc on a voulu monter un nouveau label. On a été approché par les gens de PIAS qui voulaient nous distribuer, ils nous offraient une structure. On leur a répondu qu’on travaillerait avec eux s’ils nous laissaient carte blanche pour tout ce qui est artistique. On s’est retrouvé en Angleterre avec Eric à chercher un nom de label et on a eu la révélation un soir à The Eclipse à Coventry, un club hardcore où les Anglais affichaient vraiment sur leurs t-shirt le nombre de pilules qu’ils ingurgitaient. On regardait tous les deux un mec qui était défoncé, il avait une espèce de trompette dans laquelle il s’époumonait. Il portait un t-shirt avec un gros “E” dessus, et je dis à Eric qu’il fallait qu’on fasse un morceau “After E comes F”. Il me répond : “Non, ça va être le nom de notre label”. Rapidement on a sorti mon premier album Shot In The Dark, le premier album sur Fcom. C’était vraiment un tir dans la nuit, on ne savait pas du tout où ça allait nous emmener. Faire un album de techno à cette époque-là, c’était complètement cinglé. Il n’y avait que les Américains qui avaient essayé. En France, ça ne se faisait pas. Shot In The Dark ça voulait dire quelque chose. Comme quoi les noms ont toujours été très importants.
1996 premier voyage au Japon
Le Japon est devenu ma terre de prédilection, mon endroit préféré au monde. J’ai découvert des gens respectueux complètement fous de musique. Un endroit où je pouvais enfin trouver tous les disques que je recherchais depuis des années. Et puis surtout, tu arrives dans des lieux où il y a les meilleurs sound systems au monde et des gens qui deviennent cinglés sur le dancefloor. Ils connaissent absolument tous les disques que tu joues et en plus, ils sont mille fois plus ouverts que n’importe où dans le monde. Par exemple, si tu as envie de jouer les Stooges, un truc de salsa ou la musique des moines tibétains parce que tu penses que c’est la bonne heure, tu le fais et ils comprennent. J’ai besoin d’aller au Japon minimum une fois par an. C’est un lieu magique. J’y ai vécu les plus beaux moments de ma vie de DJ et si un jour je devais écrire la fin de ma vie de DJ, je le ferais au Japon.
Décembre 1996 sortie de l’album 30
30 c’était 30 ans. Je devais être un des premiers DJ-producteur qui arrivait à trente ans. Un âge important dans la vie d’un homme. C’était bizarre de basculer. Je faisais partie de la première génération, et la deuxième était déjà très bien installée. J’étais déjà devenu vieux (rires). J’ai eu envie de faire un album plus mature, moins axé sur le club, avec une narration plus personnelle que Shot in the dark. J’avais aussi envie de faire d’autres choses, de commencer à toucher à d’autres univers : la danse, le cinéma ... 30a été un tournant, je ne pense pas que ce soit mon meilleur album mais j’avais envie d’avancer, d’aller ailleurs. Je me disais que je risquais de perdre des gens mais aussi d’attirer un nouveau public. Et grâce à lui, j’ai une victoire de la musique…
1997 premier live…
Eric Morand m’avait dit : “c’est très compliqué pour les gens de comprendre ce que fait un DJ donc il y a une chose qui est importante : tu ne montes pas sur scène avec des platines ! il faut que le message soit clair pour le public.” Ensemble, on a discuté longtemps avant de monter le live, on s’est demandé ce qu’on allait faire. J’ai pris des musiciens de jazz, j’avais envie qu’il se passe quelque chose sur scène. Je n’avais pas envie d’être tout seul derrière mon ordinateur. Je détestais ça, et je déteste toujours. J’avais envie de voir un groupe et des gens qui jouent, avec de l’improvisation. Au début, je n’ai pas fait forcément les bons choix de musiciens mais j’avais envie de faire autre chose. Puis j’ai commencé à m’entourer de gens que j’aimais beaucoup, qui étaient très proches et avec qui je savais qu’on pouvait vivre des galères et quand même rester très unis. Quand tu tournes avec des gens avec qui tu ne t’entends pas la journée, tu ne peux pas t’épanouir sur scène.
1998 Victoire de la musique.
C’était drôle d’avoir une nouvelle catégorie dans les Victoires de la Musique : “musique électronique ou dance”. On est quand même en 1998 ! Ça fait dix ans que la musique électronique existe ! C’était un moment important pour toute la techno, pas que pour moi. On m’a fait gagner la Victoire parce que j’étais un des premiers à être là, c’était plus pour le symbole que pour la qualité de 30. Tous les nominés, il y avait aussi Etienne De Crecy, avaient été répéter la veille à l’Olympia. On est arrivé et tout le monde nous a regardé en se demandant ce que cette musique de merde venait faire ici (rires). Ce qui est drôle c’est qu’on s’est dit qu’on allait même pas jouer un morceau de l’album 30mais qu’on allait jouer “Acid Eiffel” qui était plus approprié pour les Victoires. On s’est retrouvé à faire un morceau devant un parterre de gens où la moitié s’en foutait mais c’était symbolique. C’était aussi l’époque de “la grande répression des raves” et j’ai pu dire “arrêter de nous emmerder, laisser nous vivre”. C’est bien, ça a été une jolie brique posée sur la maison.
1998 Concert à l’Olympia.
C’est grâce à la Victoire de la Musique qu’on a pu faire l’Olympia. A l’époque, l’Olympia c’était compliqué, tu ne pouvais rien faire. On avait envie de frapper fort mais impossible de faire de la déco, même donner des bonbons était impossible. Rien que pour avoir notre nom sur le panneau lumineux à l’entrée, il fallait payer le démontage du nom d’Annie Cordy, puis payer notre montage et enfin repayer le démontage pour remettre son nom à elle (rires). J’en garde un très bon souvenir parce que c’était très symbolique, il y avait deux ministres dans la salle par exemple. Mais je ne pense pas que c’était un grand concert même si il y a eu des moments très forts comme “Crispy Bacon”. C’était encore les prémisses des lives techno. On avait pas les infrastructures qu’on pourrait avoir aujourd’hui, nous n’avions pas les moyens. Je me rappelle aussi qu’on avait fait un after au Rex après le concert. C’était blindé de personnes qui étaient venus à l’Olympia. Quand j’ai descendu les escaliers du club, ce fut très émouvant, les gens se sont écartés et ils ont fait une espèce de haie d’honneur, ils m’ont applaudi jusqu’à ce que j’arrive à la cabine de DJ. Un moment d’une force incroyable.
2000 Unreasonable Behaviour
C’est l’album de “The Man with The Red Face”. Après “Crispy Bacon” c’est mon premier tube planétaire (rires). Unreasonable Behaviour c’est l’album de la maturité. Je me sentais mieux, j’assumais plus mes choix. Je continuais à explorer. Après 30 je me suis rendu compte que j’étais un très mauvais ingénieur du son et qu’il fallait quelqu’un pour m’épauler. J’ai travaillé avec Laurent Collat (alias Elegia). Je trouve que pour l’époque le son de l’album est bien foutu, il sonne bien. C’est un disque qui a beaucoup de personnalité, il me plait beaucoup. Il est plus expérimental. Au début je faisais de la musique en m’inspirant des autres producteurs, avec cet album j’ai commencé à être vraiment moi-même. Ce qui m’a conduit à des choses encore plus personnelles comme l’album The Cloud Making Machine ou les musiques de ballets que j’ai réalisé pourAngelin Preljocaj ou Marie-Claude Pietragalla. Là, je ne fais pas danser les gens. Aujourd’hui, si je réécoute tout ça, ce que je suis aussi en train de composer pour le prochain spectacle de Pietra, je me dis que j’ai trouvé mon truc : une musique granuleuse, pas forcément portée sur la technologie et avec des mélodies assez sombres.
2003 Are you Rexperienced ?
Ce sont les quinze ans du Rex Club avec qui j’ai quand même eu une longue histoire. Christian m’a demandé de faire la programmation. Il voulait faire un gros truc et je lui ai dit qu’on allait faire dix soirs de suite où on allait présenter tous les styles de la musique qu’on aimait mais où les Dj’s ne jouerait pas forcément dans leur style habituel. Donc il y a eu un soir “rock” avec Miss Kittin et Andy Weatherall, une soirée Hacienda avec le duo Mike Pickering et Dave Haslam, une soirée avec DJ Hell, et Les Rythmes Digitales, une nuit Underground Resistance. Il y a eu aussi le dimanche après midi une boum pour les enfants avec Carl Cox comme DJ, c’était incroyable. J’ai fait la clôture avec un set de douze heures. Ce fut un moment extrêmement intense et là encore très symbolique. Le fait de se rassembler pour fêter des moments importants, d’essayer de pas juste organiser une soirée de plus, j’ai toujours aimé ça. C’est ce qui fait avancer la scène. Il y avait un côté : le Rex vous donne parce que vous nous avez donné beaucoup, c’était un vrai moment de partage, très émouvant.
2005 The Cloud Making Machine
C’est un manifeste. J’avais envie de faire mon truc comme je l’entendais, de sortir du dancefloor. Je me souviens, j’avais composé six morceaux et j’ai dis à Eric Morand (le fondateur du label FCOM avec Laurent Garnier NDR) de venir à la maison pour les écouter. Eric c’est le couperet, il est horrible quand il écoute de la musique parce qu’il est froid comme de la glace. A la fin de l’écoute, il met toujours cinq minutes avant de parler. Donc, ce jour là il finit par me dire : “tu espères faire quoi avec ça ?”. A la Eric Morand quoi, avec son style toujours sympathique (rires). Je lui ai répondu : “Si tu parles de ventes, si on vend 10% de ce que j’ai vendu de mon dernier album, je serais super content.” Il a fait : “Tant que tu es au courant qu’on ne va pas en vendre beaucoup. Autrement je trouve ça très bien.” Donc je lui dis : “Banco, on y va.” Ce que j’aime chez Eric c’est qu’il prend des risques. Je lui ai expliqué que c’était un disque important, même si je savais que j’allais perdre des fans. Musicalement j’avais envie de ça. C’était une période un peu bizarre, la techno allait assez mal, il se disait même qu’elle allait mourir. C’est mon disque le plus personnel. Dans quinze ans, quand les gens écouteront ma discographie, ce sera un album qui prendra plus d’importance. C’est la bande originale de mon film imaginaire et je l’assume. C’était une période où j’habitai dans une ville qui était belle, mais dure. C’est un disque qui ressemble bien à l’environnement dans lequel je vivais, à la période que je vivais. Une période de trouble.
2008 Arrêt de FCOM
Eric Morand en avait marre, il commençait depuis longtemps à s’intéresser à d’autres choses. Je comprenais. J’avais la chance d’avoir le côté génial du label : voyager, le représenter à droite à gauche, rencontrer des gens, écouter leur musique. Eric se tapait lui tous les trucs emmerdants, et surtout les relations avec les artistes qui peuvent être très pénibles, ils se comportent parfois comme des enfants. C’est vrai qu’on avait quelques cas sociaux quand même chez FCOM (rires). Le climat de l’industrie du disque était également difficile, ça faisait deux ans qu’on perdait un fric monstre. On a mis beaucoup d’argent sur la table pour des disques qu’on n’a pas vendus. Ça se cassait vraiment la gueule. Donc on s’est dit qu’on allait mettre FCOM sur pause parce qu’on ne voulait pas le faire mourir. Un jour, on sortira peut-être un disque ou un bouquin parce que c’est FCOM et pas FRecords mais ça sera plus pour le symbole qu’autre chose. On s’était donc laissé une porte ouverte, mais ce n’était peut être pas très pertinent. Pour moi FCOM est bel et bien fini. Il ne faut pas laisser traîner les choses.
2009 Tales of a Kleptomaniac.
Il y a beaucoup de choses dans cet album qui auraient du avoir plus d’impact. “Last Dance At Yellow” est un très beau morceau, dans un style dubstep un peu hybride. J’adore “Dealing With The Man”, c’est un blues. Même si il y a des choses très personnelles, on revient plus sur le dancefloor quand même. C’est un moment où je m’entends super bien sur scène avec mes musiciens à qui j’ai laissé beaucoup de place dans ma musique. The Cloud Making Machine c’était : “laissez moi, je vais tout faire tout seul”.Tales Of A Kleptomaniac c’est “je touche à tout, je laisse de la place pour tout le monde et on va se marrer sur scène”. C’est drôle parce que sur ce disque, je m’ouvre aussi à nouveau sur mes racines, les choses faites pour danser, la musique black. Aujourd’hui j’ai la chance de pouvoir exister musicalement sur plusieurs niveaux. Je peux faire du dancefloor ou de m’exprimer d’une manière très personnelle comme la musique du documentaire Play ou le projet avec Pietragalla. J’ai réellement trouvé mon truc, c’est cool et puis c’est désormais accepté par mon public.
13 mars 2010 concert à la Salle Pleyel.
Le plus beau concert de ma vie. Un moment unique, c’est le seul concert pour lequel j’ai passé six mois à travailler. Christian (Paulet son agent NDR) était persuadé qu’avec un peu d’atouts on pouvait faire Pleyel. On avait déjà une formule qui tournait bien mais je voulais faire quelque chose de beaucoup plus sophistiqué. J’ai dit à Christian : “On y va, mais on y va à donf’. On fait des visuels, on montre une structure.” Ça a été six mois de prise de tête. Au niveau de la musique, comme on était à Pleyel je me suis dit qu’on allait se permettre de faire des choses qu’on avait jamais faites auparavant. J’ai fait venir Crazy B de Birdy Nam Nam, Antony Joseph, Il y avait quatre cuivres. La seule frustration c’est qu’on a vendu les billets tellement vite, que les medias ne s’y sont pas intéressés : ils n’allaient pas parler d’un concert déjà plein et une fois que c’est passé tout le monde s’en fout. On n’a pas fait une erreur à Pleyel. Il y a eu la magie du moment. Comme l’Olympia mais musicalement réussi, symboliquement un peu moins fort mais plus intéressant. Après le concert, il y a eu une espèce de baby blues. Pleyel a été le concert où enfin j’ai trouvé ce que je recherchais. Je sais ce que côté jazz dans mes concerts a gêné pas mal de mes fans, mais ce n’est pas grave. Tu ne peux pas faire plaisir à tout le monde. J’ai compris un an après que Pleyel avait été l’aboutissement d’une recherche dont je n’avais pas forcément toutes les clés.
Septembre 2010. Le Bolchoï.
Tu te rends compte que la musique électronique met les pieds au Bolchoi à Moscou grâce à Angelin Prejlocalj pour qui j’ai composé une musique. Pour moi c’est le plus grand chorégraphe français. J’avais déjà travaillé avec lui sur L’Oiseau de feu. Mais là il est venu me voir et m’a dit : ”J’ai un projet où tu vas faire toute la musique, c’est un travail sur l’Apocalypse de St Jean”. Un sujet que je ne maîtrisais pas forcément. Tout ça au Bolchoï ! Je lui réponds : “Et à part ça, tu n’as pas une bonne nouvelle ?” (rires) C’était un peu un rêve. Tu travailles avec l’un des plus grand chorégraphes Français dans le plus grand théâtre de musique au monde. Ça a été un travail extrêmement intense, très compliqué mais alors complètement jouissif : écouter ta musique et voir les danseurs sur la scène du Bolchoï c’était vraiment un moment de fou. Je suis extrêmement fier de ça et j’ai fait des pieds et des mains avec Angelin pour sortir l’album de la musique du ballet. C’est bien sombre, bien mental, mais c’est tout ce que j’adore faire. Je me suis lâché à mort.
2011 projet L.B.S.
LBS c’est la suite logique de la tournée de Kleptomaniac où j’ai vraiment eu un rôle de chef d’orchestre avec Pleyel comme point culminant. Ma frustration était de ne pas avoir eu assez de temps avec le format concert. J’ai donc pris juste Benjamin Rippert et Scan X comme musiciens, on pouvait se mettre dans n’importe quelle cabine DJ du monde, on ne prenait pas beaucoup de place, et on évitait tous les problèmes liés au live : les micros, les retours etc. Et là si on veut faire 35 minutes de “Crispy Bacon” on peut. On s’est bien marré : on a fait une version de 55 minutes de “Gnanmankoudji” au Panorama Bar à Berlin. Il y a un moment je regarde ma montre et je dis à Stéphane (Scan X NDLR) que ça fait 55 minutes qu’on le joue. L.B.S c’était ça : on se réappropriait du temps et les cabines DJ. On arrête les gros bordels, on revient sur le dancefloor. Chaque soir c’était différent. C’était aussi se dire qu’on allait faire des nouveaux morceaux et aller à l’envers de ce qu’on a l’habitude de faire c’est à dire enregistrer un album et le défendre sur scène ensuite. On a cinq ou six nouveaux morceaux qui ne sont pas encore enregistrés. On a commencé par la scène. C’était l’idée de faire un laboratoire d’expériences.
2012 Jacques In the Box chez Ed Banger
J’avais envie avec L.B.S d’avoir un morceau plus joyeux que ce qu’on a l’habitude de faire. Il y avait un morceau que je jouais tout le temps, Ben l’appelait toujours “le morceau du bonheur”. J’avais dit à Ben : “Je veux faire un morceau comme ça”. Ensemble on est allés en studio, et on a fait un morceau qu’on a appelé ‘Le morceau du bonheur” (“Jacques In The Box” NDLR). On l’a essayé en live : les gens étaient contents, ça marchait, donc je l’ai enregistré. A la fin de l’année 2011 j’ai fait une petite vidéo qui nous montrait sur la route, et la bande son c’est “Jacques in the box”, je l’ai posté sur Facebook et Pedro (Winter NDLR) a été le premier à réagir et à me demander ce que c’était ce morceau. Et il a voulu le sortir sur Ed Banger. C’est un peu un pied de nez à tous les intégristes qui n’aurait jamais imaginé que je puisse sortir un jour un disque chez Ed Banger.
2013 : Le futur
Je m’interroge beaucoup sur la question du format. Est ce que cela sert encore à quelque chose de sortir un album aujourd’hui ? Je vais sûrement sortir quelque chose mais je ne sais encore sous quelle forme. Autrement Electrochoc va sortir en version anglaise avec quatre vingt pages supplémentaires. Le projet du livre tiré du film avance également. Mon émission sur le Mouv “Is it what it is” marche de mieux en mieux. La radio c’est quelque chose que j’adore et qui me passionne vraiment. Il y aura aussi la musique du ballet pour Marie Claude Pietragalla.
Patrice Bardot assisté de Quentin Monville
